L’ALEGRIA ESTÀ ACÍ DINS

CRÒNICA jOSÉ VICENTE PEIRÓ. LAS PROVINCIAS

Tres amigos, una playa de Murcia en noviembre y el recuerdo de haber sido felices esfumado como un castillo de arena arrastrado por la corriente. Así empieza L’alegria està ací dins, el primer montaje que la compañía La Família Política pone en pie con su nuevo nombre, tras cerrar su anterior etapa como Lupa Teatre (Se’ns està quedant cos de posguerra, Para que no te me olvides, Lúcid…).

Sandra Sasera, Pau Gregori y Mertxe Aguilar son los actores que dan vida a los tres personajes, con los que comparten su nombre y algo más. El propio Gregori se reparte las labores de dirección con Kika Garcelán. L’alegría està ací dins se representará en la Sala Ultramar del 16 al 19 y del 23 al 26 de noviembre.

¿Se puede volver a ser feliz simplemente visitando aquellos lugares donde alguna vez se fue? ¿Qué es, realmente, la felicidad? ¿Dónde se esconde? Son preguntas que el estupendo texto (que será publicado por la editorial Alupa) de la dramaturga Guadalupe Sáez intenta responder. O no. Una obra que mezcla la comedia y el drama, la verdad y el dolor, el yoga con posturas con nombre de postres y la pena por no ser padre.

De teatro y alegrías hablamos con Guadalupe Sáez, para saber qué es lo que le hace feliz ahí fuera, en el escenario.

La alegría está ahí fuera, por Guadalupe Sáez

1- La sensación de que durante el tiempo que dure una función vas a ver algo que no volverá a repetirse. La idea de ser un privilegiado por estar viendo algo que mañana será distinto. La certeza de que lo que pase durante el tiempo que estás allí es único y se está haciendo para ti. Esa sensación, si la piensas, provoca mucha felicidad.

2- Viajar, en el sentido literal de la palabra y en el figurado. En el sentido figurado estamos hablando de desplazarte si eres espectador desde tu realidad a otra parecida o totalmente distinta sólo con acercarte al teatro. Ser capaz de empatizar y conectar con otras realidades, ser capaz de descubrir tu realidad en otras.

En el literal viajar de verdad con amigos e irte a otras ciudades a otros pueblos a otros países a actuar, a mostrar y a contar. Eso provoca alegría, nuestro paso por Chile este año ha sido de las mejores experiencias que recordamos, porque descubres otra forma de viajar, de conocer gente, de ampliar el mundo y eso es maravilloso.

3- Trabajar en equipo, en compañía, en familia, poder acercarte a otras disciplinas, descubrir que no hay límites, compartir tiempo con gente que trabaja pensando en una misma idea, poder hacer lo que quieras.

No hay mayor sensación de libertad que la que tienes en el teatro y eso es alegría, alegría y pérdida y riesgo e incertidumbre. Pero todo eso está bien porque no estás solo, siempre estás acompañado, siempre te rodeas de amigos, conocidos familia que te acompaña y que arriesga contigo, que inventa contigo que trabaja contigo. Esa capacidad de unión, de juego compartido que tiene el teatro es maravillosa.

4- Llenar una sala, tener la sensación de que aquello que a ti te preocupa, te inquieta o te asusta es lo mismo que preocupa, inquieta o asusta a otras personas. Sentir la comunión con el público y sentir que no estás solo y que te emocionas, lloras o ríes a la vez. Compartir universos, referentes, ideas y reflexiones, compartir dudas y preguntas. Sentirte parte de algo.

5- Saber que formas parte de la memoria de otras personas y que esas personas forman parte de tu memoria. Que existan frases, obras, piezas que no se te olvidarán nunca y que recuerdes dónde estabas x día a x hora porque estabas en el teatro viendo lo que fuera. Saber que hay obras que han cambiado tu opinión respecto de algún tema, saber que gente que estaba sentada a tu lado también cambió su opinión respecto de algún tema, ser plenamente consciente de que no vas a olvidar nunca como tú y la personas que tenías al lado respirasteis, reísteis y llorasteis a la vez. Generar memoria colectiva, eso provoca felicidad.

Estrena de L’alegria està ací dins, de la companyia valenciana La Família Política

SE’NS ESTÀ QUEDANT COS DE POSTGUERRA:

CRÒNICA DE XAVIER PUCHADES:

Coco no ho va explicar tot sobre la diferència entre “lejooos” i “ceeeerca”. Potser perquè quan ens ensenyava el que era estar lluny no s’allunyava prou i quan dèia que estava a prop, encara que el seu nas s’arrugara a la pantalla de la tele, no estava suficientment a prop. Estar lluny era una altra cosa i estar a prop també era una altra molt diferent. Com això que ens ha passat els darrers anys a molts de nosaltres que, per pudor, ja no preguntàvem “ei, com va?” – quan ens trobàvem amb algú que fèia temps que no vèiem – optàvem per dir-nos: “ui, tu estàs més prim, no?” Coses del subtext, potser.

PARA QUE NO TE ME OLVIDES:

Josep Lluis Sirera. Revista Episkenion.

Un sabio director gustaba de decir a los que aspirábamos a llegar a ser dramaturgos que se trataba de una carrera de fondo, porque un buen autor teatral no llegaba a asentarse realmente hasta los cuarenta años. La edad ideal para los poetas sería, según él, los veinte porque esa era la mejor edad para hablar de uno mismo. Los narradores lo tenían un poco más difícil, porque la edad idónea era la de los treinta, cuando se estaba en condiciones de comprender el mundo que se trataba de narrar. Los dramaturgos, en cambio, necesitábamos hacer acopio –a lo largo de nuestro recorrido vital– de  mecanismos para comprender y conocer a sus semejantes como si fuesen uno mismo. Y eso, antes de los cuarenta años era muy, pero que muy difícil.

¿Por qué digo esto? Desde luego, aprovecho que las no críticas tienen ventajas tales como la de permitirme marcharme por los cerros de Úbeda (no, mejor: por las ventas de Chiclana de la Frontera), pero no es eso solo, desde luego. Porque, la verdad sea dicha, es que no me tocaba a mí hablar de este Para que no te me olvides, y eso me hizo presentarme en la Sala Ultramar con la guardia baja. Craso error, como suele decirse, porque de lo que habla este espectáculo es de algo tan terriblemente sencillo como es la muerte. Pero no la muerte como la entendemos ahora, estandarizada hasta el punto de convertirnos a los supervivientes, a todos nosotros, en niños a los que se les dice “que papá se ha ido” para que no sufran. No. La muerte como sentimiento de separación, de desgarro, sin túneles con luz al fondo para los que nos quedamos, momentáneamente, en esta orilla. La muerte vivida. La muerte cantada con cante hondo.  Esa muerte a la que Vicent Andrés Estellés le dedicó su estremecedora “Cançó de bressol” (ya saben: “Jo tinc una mort petita…”, etc), y que Miquel Gil (otra extraordinaria voz rota, que no todo  ha de ser flamenco, caramba) borda al cantarla. Esa forma, en definitiva, de honrar la muerte de los seres queridos como se la imagina la autora en el gran (no digo estremecedor, pero lo es) monólogo final del espectáculo.

Ah, por cierto, para que los lectores que hayan llegado hasta aquí no se me pongan muy fúnebres, quiero aclarar que no conozco a la autora hasta el punto de saber si tuvo lugar realmente esa muerte, rememorada y reconstruida desde el documento y el sentimiento. No importa si a Antonio Sáez Ramírez le gustaba o no el flamenco, ni siquiera si fue un personaje real. Para los espectadores, lo es. Y eso es lo que importa. Eso y la conversión en materia teatral sumamente depurada del sentimiento de desgarro que toda muerte provoca entre quienes compartían con quien murió no solo puntos de acuerdo, sino, sobre todo, de incomprensión.

Llegados a este punto, dos comentarios en torno a la frase del principio. ¿Quién ha escrito esta obra, quiénes la han interpretado, tienen ya cuarenta años? Ni los tienen ni los necesitan para sentir empatía hacia el personaje. Y eso se deja ver en  las palabras justas del texto, sin grandilocuencias ni artificios retóricos, en los gestos precisos y contenidos, en la capacidad para hacernos sentir el dolor por el ausente como si también fuese, un poco, algo nuestro (y lo será, por descontado, mientras nos dure el recuerdo de lo que hemos visto y oído). ¿Hace falta tener cuarenta años, pues? Y un cuerno. Autores hay con esa edad (y con muchos más años) que en su escritura no han ido más allá de la sabia combinación de impostación (retórica) e impostura (sentimientos prestados, imitados). Y autores hay, jóvenes, que escriben sobre cosas tales como la muerte, la soledad, sobre una sociedad inmisericorde, asfixiante y castrante… con una propiedad, con una fuerza, con un sentimiento tales que dan lecciones a los que, a fuerza de acomodarnos y de acumular pequeñas renuncias, nos convertimos en prágmáticos o, peor, en cínicos en el desempeño de nuestras obligaciones, ya consistan estas en ejercer mayordomías varias o en viajar en un mercedes a costa del contribuyente.

Todo lo dicho hasta ahora, sin embargo, no basta, porque no estoy hablando de ninguna elegía ni saliéndome por peteneras, Estoy tratando de valorar una obra de teatro. Y no una obra de teatro de esas cuyo principal mérito descansa en la disolución de la dramaticidad, sino todo lo contrario: de una obra de teatro que nace, como buena pieza de construcción argumental clásica (que lo es), de un conflicto, de un agon si nos queremos poner en plan culto. Y conflicto lo hay, desde luego; mejor dicho: lo ha habido hasta casi el momento mismo del inicio de la obra. Un conflicto, pues, fuera de foco, que se resolvió en su momento y que después nos es narrado y representado con un desgarro bien hondo (léase jondo, por favor). El conflicto de una hija que nunca entendió a un padre apasionado del flamenco, pero no de un flamenco cualquiera, no de un flamenco light como se lleva ahora, sino del cante hondo en estado puro; ese cante simbolizado en la obra por voces como la de Rancapino (padre; el de Chiclana). Un cante que le recordaba una juventud marcada por la emigración desde su Murcia natal hasta Vilamarxant, pasando por Extremadura. Un cante que tan lejano les quedaba a los hijos, como ese residuo de tiempos  pretéritos que son las cintas de cassette que sirven de cordón umbilical del padre con ese mundo flamenco al que tan atado se sentía.

A partir de aquí la obra nos va a teatralizar, con la sencillez y la libertad que dan tres actores (y no doscientos), el proceso de redescubrimiento de ese padre mediante un recurso de una extrema eficacia teatral:  el suelto de prensa que da la noticia, plagada de errores, de su muerte. Errores que escritos sobre la pizarra – lápida (extraordinaria escena, a nivel de texto y de interpretación) ponen al descubierto hasta qué punto era un desconocido y no solo para quien redactó la nota periodística. Esta escena, punto de giro, marca el antes (el flamenco como algo tan en desuso como el vetusto televisor emitiendo un documental no menos viejo y en blanco y negro) y el después: el mejor acercamiento posible para tratar de entender a un ser humanos es a través de sus pasiones. El acercamiento de Ella al mundo del flamenco mediante métodos tan racionales como la bibliografía, pero también mediante el acto físico que significa el baile y el mismo cante…

El flamenco, pues, como puerta a una nueva forma de encararse con la vida y con una  muerte que se siente cada vez más cercana ante un cáncer que no perdona. Y al mismo tiempo, como un acto de afirmación de unos lazos que se creían diluidos y que resurgen con más fuerza ante la cercanía de esa muerte: conmovedora en su sencillez, y llena de fuerza dramática, la lectura del diario del padre, en el que entre apuntes rutinarios va dejando constancia, con pudor, de los avances de la enfermedad, del dolor y de la muerte, hasta que, como dándose cuenta por fin, la cierra con un estremecedor “La medicina no tiene remedio para mi mal”.  Frase que abre las compuertas de la memoria para que, al ritmo del cante, broten con libertad los recuerdos y se consiga el tan ansiado reencuentro emotivo entre padre e hija, con el bello monólogo final al que me he referido más arriba…

Es obvio que un texto tan cargado de emotividad y tan hábilmente escrito para provocarla, por cierto, necesitaba un trabajo actoral muy medido para que el espectáculo no se decantase por el quejío agónico y sensiblero. Por esta razón, todos los ápices emotivos que presenta el texto, y que en su mayoría he ido desgranando, se encuentran convenientemente contrapesados con procedimientos distanciadores, como la presentación de la flamenca (personaje) asimilándola a ese muñeca, icono de la cultura kitsch española, que durante años ha adornado millares de salas de estar, a ser posible, como aquí, encima del televisor.

O como el final anticlimático donde los tres actores nos aclaran que no, que a ellos no se les ha muerto el padre (ni ganas), pero que, sin duda influidos por el montaje, les han preguntado cómo les gustarían ser recordados… Las respuestas, estupendas todas ellas, se rematan con el deseo de uno de ellos, el padre de Sandra, de ser recordado como el cocinero de la mejor tortilla de patatas del mundo… Lo que los espectadores tendremos ocasión de corroborar al acabar el espectáculo en una especie de banquete, comunión o como queramos llamarlo, que se convierte en una lección práctica de lo que los griegos ya sabían (y los budistas supongo que también, y que conste que yo tampoco he leído El peregrino kamanita), y espectáculo y texto nos ofrecen: recordar y ser recordados es la mejor forma de mantener firmes los lazos entre los muertos y los vivos.

Hay más momentos de distensión, desde luego, como el –relativo– fracaso a la hora de vivir el flamenco (no se trata de perder la cabeza por él, sino todo lo contrario) o la insistencia en la tilde de Sáez…  Momentos en los que, en cualquier caso, Sandra Sasera, Raquel Sanz y Pau Gregori, nos ofrecen una versatilidad intepretativa muy notable, reforzada por un ritmo bien calibrado en función del desarrollo de la acción o, mejor, de la emotividad que en cada momento desprende esta. La sencillez de la propuesta escénica (un acierto las pizarras / lápidas, ya lo he dicho), de la iluminación y de la música, ayuda a potenciar convenientemente el trabajo de los actores y acreditan a Lupa teatre como una de esas jóvenes compañías valencianas emergentes a las que habrá que seguir con atención, porque, aunque muchos no se quieran dar cuenta, el teatro no viaja hoy por hoy en mercedes ni en coche oficial, y, por no tener, ni siquiera tiene coach. El teatro  en realidad, está hoy en propuestas como esta y en muchas otras como esta. porque por suerte ni los actores ni los autores esperan ya a los cuarenta años para acceder a la profesión. Eso que salimos ganando todos.

LAS PETENERAS DE LA MEMORIA:

Publicado por Rafa Rodríguez Gimeno Revista cultural on-line VERLANGA

Hay una escena de Días de radio, la película de Woody Allen, que marcó mi aprendizaje como espectador de cine. Corretean los miembros de la familia protagonista, en un ambiente festivo, por las habitaciones de la casa cuando, de repente, la emisora sintonizada empieza a contar una desgracia (creo recordar que relacionada con niños) que deja a todos helados. No deben transcurrir más de 5 segundos del jolgorio desenfrenado al silencio contenido. No hay ninguna ruptura narrativa. Todo ocurre con absoluta naturalidad. Aún estas oyendo el eco de tu carcajada y ya notas la congoja en la garganta. Ese cambio de registro tan radical me pareció sublime. Al alcance de muy pocos. Recuerdo que, para mis adentros, sentencié que cualquiera que, en el futuro, consiguiera hacerme revivir esa sensación, merecería todos los piropos imaginables como narrador. Guadalupe Sáez con Para que no te me olvides lo ha hecho.

Para que no te me olvides es el sincero (y sentido) homenaje de una hija (la propia Sáez) a su padre, fallecido hace casi 7 años, y con una pasión desmedida por el flamenco. Pero lo es también un homenaje a los padres de cada uno de los espectadores que asisten al reestreno de esta obra en la Sala Ultramar. Guadalupe consigue, con su texto, personalizar y universalizar (al mismo tiempo) la figura de su progenitor. Un protagonista ausente al que por momentos creemos estar viendo u oyendo, dada la habilidad con que el texto va salpicándose de momentos de su vida. Y es esa familiaridad que consigue trasmitir la historia la que provoca el más difícil todavía. Que mientras uno asiste entregado a la narración se sorprenda llevando esos pasajes a su propia experiencia, sus propios recuerdos, su propia vida.

Cualquiera que ha perdido a un ser querido sabe que 7 años no son suficientes para cerrar las heridas si es que estas alguna vez cicatrizan del todo. Como bien recuerda el personaje interpretado por un inmenso Pau Gregori, pasado el tiempo es normal que se siga hablando con la persona que se fue o que la gente se aferre a besar sus fotografías como recambio insuficiente de esa ausencia. Escribir y poner en pie una obra en esas circunstancias demuestra la valentía, la entereza, la madurez y, sobre todo el talento, de Guadalupe Sáez. Porque lejos del homenaje autocomplaciente o plañidero, Para que no te me olvides está lleno de humor, de muchas risas, de alegría, pero no de ese humor negro que hubiera sido excesivamente predecible, sino de ese otro humor vitalista y sincero con el que se suele recordar a las personas fallecidas, pocas horas después de haberse marchado para siempre.

Unas cuantas casetes, algunas sillas, un viejo televisor, una cortinilla y varios zapatos es el único acompañamiento que tienen los actores en el escenario. Pero que nadie se lleva las manos a la cabeza pensando en teatro experimental. En los primeros compases de la obra parece que hay un intencionado e irónico desmarque de esos montajes. En Para que no te me olvides, basta un texto depurado con mucha exigencia y unos actores brillantes para que veamos con todo lujo de detalles esa casa llena de transistores que nos cuentan; o ese matrimonio durmiendo inclinado por la rotura de dos de las patas de la cama; o ese cuerpo flotando en la piscina: o ese hombre grabando, por la noche, sus programas de flamenco, de la radio, evitando la voz del locutor dándole a la tecla de pause.

Este montaje de Lupa Teatre es pura emoción y sentimiento; que como un plato moderno de cocina se deconstruye y vertebra en torno al flamenco y sus palos; capaz de pasar de instantes delirantes (la lectura de la noticia aparecida en el diario sobre el fallecimiento del protagonista capacita a Sáez a escribir cualquier cosa, sin límite ni techo alguno) a otros desgarrados en los que incluso cuesta aguantar la lágrima. Buena parte de la culpa es del trío actoral.

Pau Gregori se come el escenario, incluso cuando su personaje ocupa un segundo plano. Transita por los pasajes cómicos (parece un experto en algo tan complicado como dar la réplica, muchas veces sin texto, con un sólo gesto) y dramáticos con tal desenvoltura que cuesta no pensar en uno de esos actores completos tipo John Turturro o Steve Buscemi. Raquel Sanz representa la sobriedad y la espontaneidad al mismo tiempo. Equilibrio imposible que maneja con una contención admirable y dota a su protagonista de una personalidad muy definida, transmitiendo que en realidad es ella quien lleva las riendas no sólo del espectáculo, sino de la familia allí reunida. Y Sandra Sasera es pura magia. Le basta una mirada, una frase, un zapateo para erizar el silencio de la sala, para acaparar todas las miradas, para hacer creer al espectador que si se pierde un sólo de sus movimientos, la vida ya no será la misma.

LÚCID:

LÚCID TRIOMFA AL TEATRE MICALET, T’HO VAS A PERDRE?

Publicat per Montse Francés Català a Lletra i Escena, Teatre 21/11/2013

“JA ENS VORE’M LES CARES, EIXA LLUM I JO!”

“Tot el que sembla gros, és xicotet, tot el que sembla real, n’és fals.”

Aquestes qüestions l’obra Lúcid les reflecteix perfectament. Ens mostra que encara que pensem que moltes coses a la vida poden semblar lúcides, només som somnis o imaginacions.

L’obra, comença amb el silenci i la foscor, els quals donen certa intriga i tensió. A mesura que l’obra avança es contempla una família, una evolució i uns canvis d’humor als personatges que mai no acabes de comprendre. Es tendeix a donar-te un missatge confús inicialment, a poc a poc, penses que vas entenent-lo però arriba un punt on no distingeixes la realitat i el món imaginari, cosa que fa del final, un element sorprenent, inesperat i colpidor; personalment, aborronant.
Pel que fa a la temàtica és clarament humorística. Les constants ximpleries, disfresses i actes absurds fan d’aquesta obra un mar de riures, cosa a la qual el públic respon amb gran èmfasi. No obstant, no deixa de banda el drama. Tant a l’inici com a l’acabament, l’obra barreja i alterna els moments humorístics amb els dramàtics, creant una atenció constant en l’espectador durant les dues hores de duració.

L’actuació dels actors ha estat brillant. Han sabut expremer el suc del personatge en tot moment. La gran varietat de registres i el canvi humorístic dels personatges fa que puguem valorar més positivament la seua feina. Han assolit amb fermesa el punt i la tonalitat de la veu i l’acció en cada fragment de l’obra. Com a actriu, done la meua més sincera enhorabona per l’execució i la facilitat d’adaptació envers el personatge depenent de cada moment.

Una de les coses més dificultoses de traduir una obra, possiblement és tendir a traduir literalment. Això, en moltes ocasions provoca una certa manipulació del sentit del text. En la traducció que han emprat aquest grup de teatre en qüestió, feta per Xavier Puchades, presenta una execució extraordinària, ja que l’ús d’expressions i frases humorístiques tradicionals valencianes o l’aparició de llocs de la ciutat de València o d’arreu del País Valencià, ha aproximat l’obra al públic amb certa solidesa, el qual, s’ha entregat d’ànima al missatge.

Al finalitzar l’obra els actors han rebut en forma d’aplaudiment el gran suport del públic. Tot seguit, han expressat el seu rebuig en contra la decisió de la Generalitat Valenciana de tancar RTVV. Han proclamat que amb l’existència d’aquesta, el teatre en valencià podia comptar amb més suport, i que per culpa de la mala gestió política, un bé de la ciutadania, com bé és la televisió pública, serà suprimit. Els aplaudiments encara han estat més calorosos i a l’eixida hem escoltat opinions i comentaris completament satisfactoris per la gran part dels assistents respecte l’obra.

És per això i per molts altres motius que vos recomane que s’aproximeu al teatre Micalet fins el 24 de Novembre, i podeu estar-ne segurs que gaudireu d’una bona obra, on podreu contemplar el magnífic treball dels actors, i per últim però no menys important, també guaitareu i defensareu la nostra llengua a les activitats culturals.

No vos ho perdau!

LUCIDESA EN ESCENA: ‘LÚCID’, DE RAFAEL SPREGELBURD.

BLOG: “SOTA LA CRUETA” APUNTS DE LITERATURA I ARTS.

Autor del blog: Xavier Aliaga

Per la seua exposició tan directa a l’espectador, una obra de teatre és un mecanisme de precisió que suporta malament que trontolle alguns dels seus elements. Si això passa, la relació es desnaturalitza, decau, perquè el teatre requereix d’una connexió forta amb allò que es veu a l’escenari, fer entrar en la proposta i liquidar mentalment les convencions. Passa de vegades que les peces encaixen i no sols entrem com a espectadors, sinó que, a més, la representació ens transporta a algun lloc on no havíem estat, ens sorprén, ens fa riure i ens colpeix. Ens fa pensar. Ens acompanya temps després d’haver travessat les portes de la sala.

Aquesta conjunció és la que estic segur que molts espectadors trobaran a Lúcid, un muntatge de Teatreencompanyia, sota la direcció de Xavi Puchades, amb text de Rafael Spregelburd (Buenos Aires, 1970), un dramaturg amb una sòlida trajectòria en la motxilla malgrat la seua joventut . Lúcid tornarà a estar en cartell a València, concretament al Teatre Micalet els propers dies 20 a 24 de novembre.

La primera qüestió a destacar de Lúcid és el magnífic text d’Spregelburd, enriquit amb lleus pinzellades de valencianització, una reflexió amb moltes capes sobre les fronteres de la realitat que parteix de la teràpia que segueix un dels personatges basada en el “somni lúcid”, la possibilitat de mantenir la lucidesa en un estat oníric i intervenir en els fets que tenen lloc a dintre del propi somni. Sobre aquest suggeridor plantejament, que se’ns presenta des de la primera escena, gira una trama intrigant i surrealista alhora, creuada de tocs d’humor generats pel text. I també per la intel·ligent posada en escena i el treball dels actors.

El text té moltes més coses que l’humor, com ara una gestió molt interessant de la informació i un joc inquietant d’anades i tornades entre la ficció i la realitat. Mentrestant, el director extrau tot el suc possible de l’espai escènic i les seues possibilitats (punt i apart mereix el colpidor i sorprenent final), però sobretot d’un elenc interpretatiu format per Àlex Cantó, Arantzazu Pastor, Álvaro Báguena i Verònica Andrés ben engreixat i convincent. Amb tot, si cal destacar a algú seria a Andrés en el paper de la mare, un personatge que tal vegada correspondria a una actriu de més edat però que ella interpreta majestuosament, esdevenint l’eix que sosté admirablement gran part de la funció.

Dues hores sense caigudes apreciables en la tensió i l’atenció, on l’humor, la capacitat de colpir i de fer reflexionar, conviuen en un muntatge que sorprén gratament. Malgrat els embats i els obstacles, malgrat tot, hi ha vida en el teatre valencià.

Mágica lucidez

Publicado por Rafa Rodríguez Gimeno. Revista Verlanga

La magia del teatro. Esa entelequia, de la que uno se había hartado oír hablar, no es tal. Existe. Bastan unos minutos para comprobarlo. La actriz Verònica Andrés iluminada en un lateral del escenario. Mis ojos se quedan fijos como si estuvieran ante un fotograma congelado. Dan ganas de aplaudir a Marc Gonzalo por su trabajo con las luces. Es casi un cuadro. Es algo más. La puerta a la historia que nos van a contar. La clave, entonces imposible de descifrar, de todo lo que vendrá después.

Porque nada en Lúcid es casual. Y uno lo va descubriendo con el tiempo. Unas horas después. Unos días. O nunca. Da la sensación que ni al director, ni a los actores les importa. Ellos necesitan esa información para seguir avanzando en la narración, para entender mejor los personajes y sus maneras de actuar. Y, como bien dice, Beck, eso se nota de inmediato.

Lúcid es una coproducción de Teatrencompanyia y Lupa Teatre sobre un texto de Rafael Spregelburd, adaptado por Xavier Puchades a partir de la traducción al catalán de Pere Puig. Puchades es también el director del montaje. ¿El argumento? Mejor saber lo justo. Una madre, dos hijos, un camarero, un hombre casado aficionado al tenis, un terapeuta de métodos algo estrambóticos, Miami-Morella-El Cabanyal, unos sueños con mando a distancia y alguien que reclama algo del pasado.

Àlex Cantó tiene el papel más difícil. Saber controlar a su personaje debe haber sido un desafío (para él y para Xavier Puchades). Cualquier exceso interpretativo estaría justificado por un texto que, con él, coquetea con el absurdo. Pero no hay histrionismo. Y tampoco contención. Fluye incluso en situaciones realmente dantescas, recibidas con risas en voz alta, pero que se funden de inmediato en el curso de la obra. De haber traspasado esa delgada línea roja hacia la exageración o la caricatura, Lúcid se habría convertido en algo parecido a esas series de televisión tan dadas a la desmesura y a los chillidos.

Álvaro Báguena luce una elegancia actoral que por desgracia parece perdida hoy en día. Siguiendo la estela de Michael Caine (por poner un ejemplo) circula de la comedia al llanto, de la bonhomía a la confesión cruel, con una fluidez y una naturalidad desbordante. Le bastan un cambio de vestuario (una simple rebeca), una expresión facial, unos hombros caídos para transitar de un estado anímico a otro a una velocidad excelsa.

Y Arantzazu Pastor es el motor de la historia. Tienen la difícil papeleta de conseguir que su personaje permanezca en el recuerdo de todos nosotros aún sin estar en escena unos cuantos minutos. Es increíble su capacidad para empatizar con los otros protagonistas. Su rol es el menos disparatado (aunque también en ocasiones) y parece muy trabajado evitar caer en el contagio. Es la que tiene más momentos, digamos, fuera de plano, que no de la atención argumental. Y eso tiene mucho mérito.

El mismo que haber construido este animal escénico que no deja casi parpadear al espectador. Un ritmo frenético. Una dirección milimétrica, que en ocasiones (el pedaleo en la bici, la taza con la infusión, el movimiento de sillas, el camarero tomando nota,…) parece una coreografía cuyo objetivo es mandar continuamente a la platea estímulos que ayuden a entender mejor la obra. Xavier Puchades aúna perfectamente un dominio brutal sobre todo lo que ocurre en el escenario (dudo que se pueda sacar más provecho al vestuario de María Almudéver, la escenografía de Xavo Giménez y Iaia Cárdenas, la música de Po Poy y Agnès Pe,…), con un control del texto magistral. La escena de la conversación telefónica es el mejor ejemplo. En ella se resume, perfectamente, las virtudes de este imprescindible montaje.

No vayan buscando humor descocado. Ni un drama lacrimógeno. No. Puchades quiere, mima y respeta tanto a sus personajes que nunca les haría eso. Vayan con la intención de disfrutar una historia de, y sobre, personas. Con sus miserias y con sus alegrías. Y con sus sorpresas. Con muchas emociones. Con algo de humor. Una historia que les arrollará y hará con ustedes lo que quiera. Una historia de la que no podrán salir ni cuando hayan abandonado el teatro. Una historia muy bien contada. Una historia con muchos referentes cercanos. Una historia mágica, lúcida, genuina.

A MÍ NUNCA ME CORTÓ LA CABEZA:

Afán de plan. crònica 4 dones ultramarines

Guadalupe Sáez adaptava a l’escenari de la Ultramar una peça que ja va presentar al cinquè cicle de Miniteatre: A mí nunca me cortó la cabeza, codirigida amb Pau Gregori i interpretada per Raquel Sanz, tots tres de la companyia Lupa Teatre. Guadalupe ens fa mirar cap a la relació que tenim amb la nostra mare. Preguntar-nos què hem heredat d’ella a banda dels trets físics. Un viatge emotiu als origens familiars, a les marques que ens deixen, a la recerca de qui som, a les frustracions que ens provoquen, a les expectatives que tenien posades en nosaltres i mai no hem complit.

Tota aquesta introspecció en un marc que olora a post-guerra, a solitud. A compassió. Una compassió que es llig de prop als ulls de Raquel Sanz, l’actriu protagonista.

“Una pieza corta, de poco más de 15 minutos, que se te queda durante las horas siguientes en alguna parte de tu cuerpo, agitando ese corazón que, como es mi caso, me roban progresivamente”

El Club express.

“Guadalupe nos hace mirar hacia la relación que tenemos con nuestra madre. Preguntarnos qué hemos heredado de ella aparte de los rasgos físicos. Un viaje emotivo a los orígenes familiares, a las marcas que nos dejan, a la búsqueda de quiénes somos, a las frustaciones que nos provocan, a las expectativas que tenían puestas en nosotros y que nunca llegamos a cumplir.”

Afán de Plan.

M I LES BALENES: